PLAN LECTOR

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Título del artículo que acaba de leer ¿Según el libro “lecturas sobre danza y coreografía” quien fue la primera licenciada en Historia del Arte y la segunda en Bellas Artes? ¿La danza se ha consolidado como carrera propia? Justifique su respuesta ¿Qué sucede con los textos publicados en los últimos treinta años? ¿El libro que está proponiendo la escritora es para qué clase de público? ¿De qué época Vicente Escudero toma los momentos artísticos? Escriba la biografía de 5 escritores o personajes de la lectura, con su imagen ¿Qué conclusión tiene acerca de lo leído? Resumen de la lectura Escriba una frase que le haya llamado la atención de la lectura

1. LEER, BAILAR, ESCRIBIR2. Amparo Écija licenciada en Historia del Arte Isabel de Naverán licenciada en Bellas Artes3. Al día de hoy la danza no se ha consolidado como carrera propia4. Varios de los textos publicados en los últimos treinta años están aún sin traducir5. Un libro para estudiantes, investigadores y artistas, aquellos que se atrevan a pensar que leer y escribir son la misma cosa.6. Cuyo momento artístico coincide con la situación convulsa vivida momentos antes y durante la guerra civil española

7.VICENTE ESCUDEROVicente Escudero Urive (Valladolid, 27 de octubre de 1888 - Barcelona, 4 de diciembre de 1980)1 fue un bailarín y coreógrafode flamenco español; teórico de la danza, conferenciante, pintor, escritor; y ocasionalmente actor cinematográfico y cantaor.Nacido en el seno de una familia humilde —su padre era zapatero—, Vicente Escudero dio sus primeros pasos de baile siendo todavía un niño sobre las tapas de las alcantarillas de su barrio de San Juan. Ya de adolescente, y con una formación totalmente autodidacta, combinó las actuaciones en locales de la ciudad y provincia con trabajos como linotipista en varias imprentas. Años más tarde, decidió ir al Sacromonte a aprender de los maestros gitanos y, poco después, se vio con la confianza suficiente para empezar a actuar en los cafés de Madrid. Consiguió entrar en el Café de la Marina, en la calle de los Jardines, 21, pero allí duró solo tres días, porque aunque su baile gustó al público, sus compañeros se plantaron al verse incapaces de seguir su palmeo anárquico, como él mismo reconoció tiempo después: «en realidad tenían razón, ya que entonces se llevaba un ritmo medido y cualquier variación en el sonido de las palmas o el compás desorientaba a todo el mundo».2 Este fracaso le llevó a pasar una temporada dando tumbos por España, hasta que fue a dar con Antonio de Bilbao en el Café Las Columnas de aquella ciudad. Antonio le acogió como discípulo, y con sus enseñanzas le introdujo en los secretos del flamenco.Su estilo puntero y artístico, con el que popularizó el flamenco, era fiel a la pureza y tradición, con total apego a sus técnicas y normas.2 Se esforzó, además, por dar al baile flamenco una autenticidad basada en la reciedumbre y la virilidad. En su Decálogo del buen bailarín, difundido en la sala El Trascacho de Barcelona en 1951,2 Vicente Escudero dejó claro lo que el consideraba fundamental para su estilo de bailar: Bailar en hombre. Sobriedad. Girar la muñeca de dentro a fuera, con los dedos juntos. Las caderas quietas. Bailar asentao y pastueño. Armonía de pies, brazos y cabeza. Estética y plástica sin mistificaciones. Estilo y Acento. Bailar con indumentaria tradicional. Lograr variedad de sonidos con el corazón, sin chapas en los zapatos, sin escenarios postizos y sin otros accesorios.

Vaslav NijinskyVaslav Nijinsky (ruso: Вацлав Фомич Нижинский, transliterado Vátslav Fomich Nizhinski; Kiev, Ucrania, Imperio ruso, 12 de marzo de 1890 - Londres, 8 de abril de 1950) fue un bailarín de ballet y coreógrafo ruso de origen polaco.Nijinsky fue uno de los más dotados bailarines en la historia, y se hizo célebre por su virtuosismo y por la profundidad e intensidad de sus caracterizaciones. Podía realizar el en pointe (en:Pointe technique), una rara habilidad entre los bailarines de su tiempo (Albright, 2004) y su habilidad para realizar saltos que parecían desafiar la gravedad fue también legendaria.Nació en Kiev en una familia de bailarines polacos rusificada; pese a su pobre conocimiento del polaco, se consideraba a sí mismo un polaco.[cita requerida] En 1900 se unió a la Escuela del Ballet Imperial, donde estudió con Enrico Cecchetti, Nicholas Legat y Pável Gerdt. A los 18 años tenía papeles principales en el Teatro Mariinski.Un momento decisivo para Nijinsky fue su encuentro con Serguéi Diáguilev, un miembro de la élite de San Petersburgo e importante patrón de las artes, que promovía el arte visual y musical de Rusia en el extranjero, particularmente en París. Nijinsky y Diáguilev se hicieron amantes, y Diáguilev comenzó a involucrase en dirigir la carrera de Nijinsky. En 1909 Diáguilev llevó una compañía a París, con Nijinsky y Anna Pávlova en los papeles estelares. El espectáculo tuvo gran éxito e incrementó las reputaciones tanto de los papeles estelares como de Diáguilev en los círculos artísticos de Europa. Diáguilev creó Les Ballets Russes en sus inicios, y con el coreógrafo Michel Fokine, hizo una de las compañías más conocidas de su tiempo.

Mary WigmanMary Wigman, nombre artístico de Karoline Sophie Marie Wiegmann (Hannover, 13 de noviembre de 1886 - Berlín, 19 de septiembre de 1973) fue una bailarina alemana, principal musa de la danza expresionista.Estudió con Rudolf von Laban y tuvo estrechos contactos con el grupo expresionista Die Brücke, mientras que, durante laPrimera Guerra Mundial, se relacionó con el grupo dadaísta de Zúrich. Para ella, la danza era una expresión del interior del individuo, haciendo especial hincapié en la expresividad frente a la forma. Así otorgaba especial importancia a la gestualidad, ligada a menudo a la improvisación, así como al uso de máscaras para acentuar la expresividad del rostro. Sus movimientos eran libres, espontáneos, probando nuevas formas de moverse por el escenario, arrastrándose o deslizándose, o moviendo partes del cuerpo en actitud estática, como en la danza oriental. Se basaba en un principio de tensión-relajación, lo que procuraba mayor dinamismo al movimiento. Además utilizó las nociones de caída-recuperación para diagramar las posibilidades entre estos dos polos, que ella consideraba como "muertes"(uno de los motivos por los cuales, sus exploraciones en el movimiento la anclaron en un periodo de la historia de la danza No Formalista, sino expresionista). Fue concretamente quien comenzó a utilizar la quietud como potencial en el movimiento, no como sinónimo de silencio ni vacío. Creó coreografíasrealizadas enteramente sin música, a la vez que se liberaba de las ataduras del espacio, que en vez de envolver y atrapar al bailarín se convirtió en una proyección de su movimiento, persiguiendo aquel viejo anhelo romántico de fundirse con el universo.1Siemore sostuvo que el movimiento vale más que muchas palabras, y denominó a su producción como "Danza Absoluta", alegando que la danza Simplemente ES.

Isadora DuncanAngela Isadora Duncan, conocida como Isadora Duncan (San Francisco, 27 de mayo de 1877 - Niza, 14 de septiembre de1927) fue una bailarina y coreógrafa estadounidense, considerada por muchos como la creadora de la danza moderna.Isadora Duncan nació en la ciudad californiana de San Francisco. Su padre Joseph abandonó la familia cuando Isadora era aún muy pequeña, siendo posteriormente acusado de fraude bancario, y encarcelado. Esto creó en el hogar de los Duncan una difícil situación de penuria económica, hecho que influyó al parecer en el alejamiento de la familia de la fe católica que habían profesado (Isadora se declaró varias veces durante su vida como «atea convencida»). Isadora Duncan abandonó la escuela a la edad de diez años y comenzó junto con su hermana Isabel a impartir clases de danza a otros niños de su barrio, mientras su madre, Dora, daba lecciones de piano para sustentar a la familia y se encargaba de la educación de sus hijos. Predominaban en las lecciones musicales Mozart, Schubert y Schumann, que tuvieron una indiscutible influencia en el posterior desarrollo artístico de Isadora.Durante su etapa en Londres, Isadora Duncan, siempre inquieta y autodidacta, pasa largas horas en el Museo Británico. Le fascinan las expresiones artísticas de la antigua Grecia, de las que toma formas, que serán luego características de su danza, tales como inclinar la cabeza hacia atrás como las bacantes.Es en esta época cuando comienza a consolidarse el estilo único de Isadora. Se trata de una danza muy alejada de los patrones clásicos conocidos hasta entonces, incorporando puestas en escena y movimientos que tenían más que ver con una visión filosófica de la vida ligada quizá al expresionismo (línea de pensamiento artístico incipiente por aquella época), y por tanto a una búsqueda de la esencia del arte que solo puede proceder del interior.Llegó a Buenos Aires por primera vez en 1916. Formó la revolución, la bailarina californiana tenía en ese momento 38 años y su fama y su éxito habían alcanzado, particularmente en Europa, alturas extraordinarias. Pero el golpe atroz que había representado para ella la muerte en 1913 de sus dos pequeños hijos en un accidente de auto cerca de París, alteró su vida de una manera definitiva. Las extravagancias de Isadora —que incluían una despreocupación completa por el dinero, lo tuviera o no— se volvieron más acusadas y lo mismo ocurrió con su desinterés por las convenciones sociales.

Pina BauschPhilippina Bausch conocida como Pina Bausch, (Solingen, 27 de julio de 1940-Wuppertal, 30 de junio de 2009) fue una bailarina, coreógrafa y directora alemana pionera en la danza contemporánea. Con su estilo vanguardista, mezcla de distintos movimientos, Bausch propone piezas de danza que se componen en cooperación entre distintas expresiones: movimientos corporales, emociones, sonidos y escenografía que configuran piezas enmarcadas en la corriente de la danza teatro, de la cual Bausch es pionera e influencia constante de generaciones posteriores.Pina Bausch nació en Solingen, cerca de Düsseldorf, en Alemania, en plena Segunda Guerra Mundial. Fue la tercera hija del matrimonio compuesto por August y Anita Bausch, quienes tenían un restaurante, donde la futura bailarina creció y tomó sus primeras clases de danza. Fue entonces cuando sus padres se percataron de su extrema flexibilidad física y talento, por lo que decidieron apoyarla para que en 1955, a los 15 años, fuera a estudiar con el coreógrafo Kurt Jooss en la Folkwang School deEssen, donde Pina adquiriría las bases de la danza expresionista alemana que serían la base de su entonces incipiente carrera.El trabajo de Pina Bausch está conectado con la tradición de la danza expresionista alemana –la Ausdruckstanz-, encarnando sentimientos de angustia humana existencial,anomia y disociación. Todos sus trabajos comparten similitudes esenciales: ausencia de argumento (en un sentido clásico), del sentido convencional de la progresión en escena y de referencias a lugares geográficos específicos. Sin embargo, la obra de Bausch tiene “una gran atmósfera de humor malvado, un patrón de tantalización romántica y humillación”.1 Su trabajo se basa en la creación de breves episodios de diálogo y acción a menudo centrados en situaciones surrealistas, en el uso del cuerpo y en las relaciones entre este, el escenario y el vestuario.

8. ConclusionLa relación entre la danza y la escritura, presente en la definición original de coreografía, es una relación siempre desequilibrada pero imposible de romper. Escribir es hacerse responsable de un discurso, asumir sus consecuencias, dialogar con el mundo, de la misma manera que bailar es hacerse responsable de un cuerpo, de una posición respecto al cuerpo y su modo de ser representado.

9. ResumenCuando hacia el año 2000 comenzamos a investigar no existían suficientes textos sobre danza y coreografía actual, o los que había se encontraban casi siempre en idiomas distintos al nuestro, en países a los que había que viajar porque sus fuentes no estaban digitalizadas o porque los textos más interesantes eran publicados en revistas y catálogos no reconocidos académicamenteDesde nuestros respectivos departamentos universitarios pretendíamos aportar un punto de vista crítico sobre la danza producida en el estado español desde los años noventa, sobre el sentido de las producciones coreográficas y sobre cómo éstas dialogaban con otras esferas del arte y del pensamiento crítico. Y lo hicimos, culminando cada una de las investigaciones en sendas tesis doctorales defendidas en el marco de la academia española, en la que a día de hoy la danza no se ha consolidado como carrera propia.Leer y bailar, o bailar y escribir, es también la preocupación que impulsa el trabajo de algunos teóricos presentes en este libro. La relación entre la danza y la escritura, presente en la propia definición original de coreografía, es una relación siempre desequilibrada pero imposible de romper. Escribir es hacerse responsable de un discurso, asumir sus consecuencias, dialogar con el mundo, de la misma manera que bailar es hacerse responsable de un cuerpo, de una posición respecto al cuerpo y su modo de ser representado. En cualquiera de los casos, escribir o bailar, es trazar una historia posible, hacerse consciente de ella, interrogarla. Isadora Duncan decía que la danza del futuro es la danza del pasado.La relación entre arte o estética y política ha sido explorada por muchos pensadores a lo largo del siglo XX hasta la actualidad. En el caso de la danza, su potencialidad política y estética parece evidente en cuanto a que la danza implica la representación de los cuerpos y esta representación siempre esconde o muestra una ideología de manera más o menos evidente.

10. Frasenos gusta pensar que la danza tiene la capacidad de “revelar cómo la materialidad de los cuerpos distribuidos en el tiempo y en el espacio puede cambiar el modo en que vivimos y trabajamos juntos” (Kunst, 2009).